Installation view of Sonia Boyce,
“Devotional Collection,” for the
British Pavilion at the 59th Venice
Biennale, 2022
Photo by Cristiano Corte. Courtesy of British Council
身体和土地的蜕变是贯穿当代艺术的主题——自然，这也反映在了第59届威尼斯双年展的主展——由塞西莉亚·阿莱曼尼（Cecilia Alemani）策划的“梦之乳”（The Milk of Dreams）上。今年的国家馆不仅对这一主题的概念与历史进行了精彩回应，也在全球新冠大流行之后和日益严重的气候问题中，深入探讨我们的世界以及我们自己所蕴藏的可能性。
无论是否对疫情作出回应，今年在国家馆展出的众多艺术家都试图为观众创造独特的肉体体验，将感受置于视觉之上。一些艺术家想要重塑我们与屏幕的关系，另一些艺术家则带来了由陶瓷和织物构成的展览“干货”，将雕塑和装置艺术推向了前台。
下文中，我们为你梳理了今年双年展在军械库（Arsenale）、花园（Giardini）和场外布置的十大最引人入胜的展馆。
Installation view of Shubigi Rao, “Pulp
III: A Short Biography of the Banished
Book” for the Singaporean Pavilion
at the 59th Venice Biennale, 2022
Courtesy of National
Arts Council, Singapore
Shubigi Rao 知道，要把她10年的研究历史全部腾挪到威尼斯双年展的展览空间，是不可能做到的事。与其考虑作品的广度以及有多少东西不能被观众接触到或体验到，Rao 转而在展览场地强调身体的需求。这个由建筑师 Laura Miotto 操刀的展览空间是专门为观众设计的，他们可以在 Rao 的艺术创作和文本实践中自由穿梭，而不会有压迫感。
巨大的窗帘从上方垂下，环绕着展览空间；织物塔的另一边是一个枢纽装置，观众可以坐在那里参与《Pulp III》（2022）的出版过程；在转角处，你还可以体验与之相关的电影《Talking Leaves》（2022）。对布局的关注是装置的一部分，Rao 希望观众在通过智性参与之前，能够身体力行地感受到她所作的研究。
Installation view of Zsófia Keresztes,
“After Dreams: I Dare to Defy the
Damage” for the Hungarian Pavilion
at the 59th Venice Biennale, 2022
Photo by Dávid Biró and
Krystyna Bilak. Courtesy
of the artist; GIANNI
MANHATTAN, Vienna
Zsófia Keresztes 的粉彩玻璃马赛克以其特殊的光泽和球形吸引了观众的目光。Keresztes 的雕塑与今年双年展作品的物性产生了共鸣。异想天开的色调和起伏的形式在让观众“缴械”的同时，也掩盖了这些作品背后深度的心理痛苦：我们对成为虚拟自我的集体恐惧感正变得越来越令人窒息。
Photo by Dávid Biró and Krystyna Bilak. Courtesy
of the artist; GIANNI MANHATTAN, Vienna
“After Dreams”系列的雕塑由多条铁链联结，使得每一件作品都无法在物理上与其他作品彻底隔开。这种有形的联系也是一种隐喻：雕塑本身就是不断发展的生命，它们摆脱了以前的形式，成为了另一种存在。
这场展览对匈牙利而言十分特别——这是该国有史以来第三次由女性代表参展，也是第一次策展人和艺术家都是女性。
Installation view of Simone
Leigh, “Sovereignty” for the
United States Pavilion the
59th Venice Biennale, 2022
Photo by Timothy Schenck.
Courtesy of the artist;
Matthew Marks Gallery, NY
Simone Leigh 惊人且不朽的雕塑重塑了离散黑人妇女的生活及其失去的历史。Leigh 获得了双年展核心展“梦之乳”的金狮最佳参与奖（Golden Lion），其中就包括她16英尺高的青铜雕塑《Brick House》（2019）。本届双年展的美国馆由 ICA Boston 负责策划——Leigh 是第一位代表美国参加威尼斯双年展的黑人女性，因此美国馆的到来备受瞩目。
黑人妇女的身份在 Leigh 的展馆作品中以不同的形式得以呈现。大型雕塑坐落于展馆两侧，有意地唤起人们对建筑场域抑或黑人女性特有身体部位的联想，突出强调女性的胸部、臀部和背部。Leigh 将这些身体抽象化，不去代表某位特定的黑人女性，而是创造出一种切入历史的混合形态。她借用学者 Saidya Hartman 的原话，把这一创作过程和由此产生的雕塑称为“一种批判性的捏造”（a critical fabulation），从对改造历史、发明新真理的能力作出了定义。
Vladimir Nikoli?, 800m, 2019
? Vladimir Nikoli?,
Courtesy of the artist
在艺术家于两年疫情期间与屏幕深度接触之后，视频艺术亟需在双年展上证明自己。在“Walking with Water”中，Vladimir Nikoli? 安装了两个极富冲击力的大屏幕，以审视我们与制高点以及水的关系。展览巧妙地处理了女权主义和原住民的母题，通过创造一种与周遭更紧密的生活方式来守护世界与我们的未来。
展览包含了两个简单却又引人注目的屏幕装置。第一个是一面14英尺高的垂直屏幕，上面是一个800米长的游泳池，艺术家正在其中游泳；另一个屏幕则有几米宽，以海洋的地平线为特色。这两件以水为主题的大型屏幕装置，为我们未来的一代记录下了看起来无害的自然景观。
Yunchul Kim
Chroma III, 2021
? Yunchul Kim. Photo by Studio
Locus Solus. Courtesy of the artist.
Yunchul Kim 奇妙的机器装置将身体置于联结宇宙、生物和技术的通道中。名为“Gyre”的展览展示了五个大型动态雕塑和一个同名的定域墙画。正因为我们无法触摸或移动太阳，所以 Kim 希望将宇宙的力量转化为可以实际与之互动的有形艺术品。该作品将太阳和宇宙这样不朽的奇迹腾挪到了错综复杂的墙画、诗性的文本和动态的雕塑中，供我们攫取消费。
Yunchul Kim
Impulse, 2018
? Yunchul Kim. Photo by Mark
Blower. Courtesy of the artist
这些动感雕塑的媒材各不相同。当然，“Gyre”展览的核心是 Kim 的《Chroma V》 (2022)——这是一件50米宽、不断脉动的作品，由各种屏幕和玻璃组成，在姊妹雕塑《Argos-The Swollen Suns 》（2022）接收到信号后便会触发点亮。
Installation view of Skuja Braden,
“Selling Water by the River,” for
the Latvia Pavilion at the 59th
Venice Biennale, 2022
Photo by ēriks Bo?is. ?Skuja
Braden (Ingūna Skuja and
Melissa D. Braden).
Courtesy of the artist
艺术二人组由 Ingūna Skuja 和 Melissa Braden 组成，并使用 Skuja Braden 的名义对外运作。为了此次展览，二人创造了一间形同艺术家自己家的陶瓷趣屋。从 Judy Chicago 和 Miriam Schapiro 策划的“Womanhouse”（1972）改编而来，拉脱维亚馆临时的“艺术家之家”内陈列着一张床、一个盥洗室和一个厨房。正如策展人 Solvita Krese 对 Artsy 所描述的那样，该装置包含大量“自传性或地理性的作品”，希望“在女权主义的视角下，利用‘家政治’来与东欧所面临的压迫这一更为宏大的主题进行斗争”。
Installation view of Wallen Mapondera,
Chisungo, 2021, in “I Did Not Leave a
Sign,” for the Zimbabwe Pavilion at the
Venice Biennale, 2022
? Wallen Mapondera.
Courtesy of the artist;
National Gallery of
Zimbabwe
这场以新兴艺术家为主的群展对基于纺织品的艺术领域产生了巨大影响。展览“I Did Not Leave a Sign”有着令人难以置信的触感，展出了 Wallen Mapondera、Ronald Muchatuta、Kresiah Mukwazhi 和 Terrence Musekiwa 的作品。曾在《The Artsy Vanguard 2021》中出现过的艺术家 Mapondera 利用纸板、纸箱和纸张这类现有的日常材料，创造出引人注目的抽象雕塑，使人联想到（而不是去代表）津巴布韦的日常生活。Muchatuta 一系列精心制作的版画则描绘了手和其他被切除的身体部位：它们被艺术家挪离原位，从而创造出非单一的、描绘黑人身体的马赛克交织画。
Installation view of Maria Eichhorn,
“Relocating a Structure,” for the
German Pavilion at the 59th Venice
Biennale, 2022
Photo by Jens Ziehe.
Courtesy of the artist
Maria Eichhorn 呈现了一件大胆的、极简主义的装置，以大量的研究为理论基础。德国馆第一眼看上去是空荡荡的——场馆的大部分建筑骨架都暴露在外，被彻底撕开以飨观众。这是一个关于解构场地的装置。
在逛德国馆时，仔细观察会让你获益良多，特别是建筑本身以及肉眼几乎难以注意到的墙面文字。这些文本或是记录着将展馆拱手让人的建议，或是揭示了德国馆建造和扩建的黑暗历史。建筑骨架的暴露并不是没有缘由的——艺术家借此将纳粹政权期间对场馆作出的增建和扩建工程和盘托出，而当你一旦了解到了这一点，就会感到不寒而栗。
German Pavilion at the 59th Venice
Eichhorn 的作品表明，建筑可以实现转化，以装置艺术的形态将遗产赠与观众。通过此次名为“Places of Remembrance and Resistance”的展览，Eichhorn 展示了转化建筑的操作难度——为了创造她的作品，艺术家真的摧毁了大部分的建筑架构。
Installation view of Loukia Alavanou,
“Oedipus in Search of Colonus” for
the Greek Pavilion at the 59th Venice
Biennale, 2022
Photo by Jacopo Salvi. Courtesy of La Biennale
di Venezia
在也许是本届双年展最私密的展馆中，Loukia Alavanou 带来了一部刺激的虚拟现实（VR）短片《Oedipus in Search of Colonus》（2022）。这部电影是对希腊古代经典戏剧《Antigone》的松散改编，由来自罗姆族人的参与者担任演员。策展人 Heinz Peter Schwerfeld 对 Atrsy 表示，他们想要“在不涉及当代新闻的情况下，对资本主义、移民和流离失所等议题作出政治评论”。通过希腊古典文本中颠扑不破的社会文化寓言，Alavanou 以使人信服的方式研究了这些政治叙事。
Loukia Alavanou, still from
On The Way to Colonus, 2022
? Loukia Alavanou.
Courtesy of the artist
电影拍得像一场经典的闹剧，导演和参与者都没有试图掩饰他们表演素人的身份。这件 VR 装置最突出的莫过于做工复杂的座椅，它在让人拥有惊人的舒适坐姿体验的同时，也使你能够通过扶手在虚拟世界中移动自我。
Installation view of Sonia Boyce, “Devotional Collection,” for the
British Pavilion at the 59th Venice
声音是否拥有身份？通过层叠的声乐，Sonia Boyce 荣获“金狮奖”、令人耳目一新的英国馆作品勾勒出了黑人女性在英国音乐圈中的影响力。Boyce 与四位声乐家 Poppy Ajudha、Jacqui Dankworth、Sofia Jernberg、Tanita Tikaram 以及作曲家 Errollyn Wallen 合作，制作了一个用以纪念英国黑人女性音乐家的装置——这件作品是其长期创作《Devotional Collection》（1999年至今）的补充，包含了历时20多年、跨越三个世纪英国音乐史的细致研究。《Devotional Collection》和这件多层次装置均使用了黑胶唱片、CD、海 、图像、票根等时代感很强的物件，它们被放置在金色墙纸前的基座上，犹如虔诚的祭坛。
声音是观众进入展馆后的第一感受。在一系列的视频作品中，我们可以听到和看到表演者的即兴演出，诠释女性与虔诚的概念。通过即兴歌唱和钢琴等乐器的演奏，作曲家 Wallen 引导这些声乐家对某个短语或是某种感觉作出回应。这些录音是单独拍摄的，最后通过不可思议的方式联结了起来，创造出惊人且和谐的声流，跨越了不同的世代、生活与经历。
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